L’univers de mes livres.

Les chansons dans mes livres, ça compte (bis). Après Elvis, Marcel Amont. Deux salles, deux ambiances, me demanderez-vous avec un brin d’ironie(peut-être)? En fait, oui et non. Certes les deux chansons bercent les rencontres de Robert Lin et e Cécile Clergeot dans « La mère de toutes les larmes » et, si j’avais fait les choses dans l’ordre, c’est la romance de Marcel Amont que j’aurais traité en premier, puisqu’elle accompagne la première vraie prise de contact entre le policier et la jeune fille perdue (Laquelle apparaît déjà dans « Poucet à Barbès) D’ailleurs le choix de ces chansons n’est pas un hasard. La ballade d’Amont sert à souligner la naissance sinon d’un sentiment au moins d’un rapprochement entre ces deux personnages et me permet d’introduire un peu de douceur dans mon monde de brutes.

Le Rock torride du King en revanche annonce la part charnelle de leur relation à venir. Bon, je parle, je parle mais je m’égare. Aussi étonnant qu’il paraisse et aussi différentes soient-elles les deux chansons ont un point commun. qu’elles se complètent, elles sont toutes deux américaines. Eh oui, « Tout doux, tout doucement » était à l’origine « Come softly to me » des Fleetwoods, groupe vocal qui eut son heure à la fin des années 50.

Bon, s’il y en a que ça intéresse, je vais dire comment m’est venue l’idée d’inclure cette chanson dans mon livre. Par le souvenir. Le souvenir de samedis soirs de 1986, les fesses calées sur le canapé familial à regarder « Les enfants du Rock » deuxième période, celle ou Pierre Lescure imposa une nouvelle grille. Cette dernière incluait entre autres « Rock’n’Roll graffiti » qui diffusait des scopitones des années 60 (Chaque époque a ses nostalgies) entrecoupés par les interventions de deux gugusses Groucho Bizness (Sam Chekoua) et Chico D’Agneau (Alexandre Marcelin) transfuges de RTL repérés par Philippe Labro. La paire de gaziers se livraient à des plaisanteries dignes d’un collégien de troisième N’importe comment, c’était leur public) J’avoue qu’ils m’agaçaient à l’époque mais devant l’abyssale nullité de McFly et Carlito, je me montrerais indulgent. Surtout depuis que j’ai appris le décès de Groucho en 2022. Alors, pardon à vous deux!

Les chansons dans mes livres, ça compte.  » Monsieur William » dans « Le charme secret de Vicky Lynn » en est un exemple. Dans mon dernier opus « La mère de toutes les larmes », il n’y a pas une mais DEUX chansons! « Tout doux, tout doucement » de Marcel Amont et « Jailhouse Rock » d’Elvis. Commej’aime à raconter le destin de chanson, c’est l’occasion pour moi d’évoquer les avatars de ce morceau composé à l’origine pour le film homonyme par le duo de compositeurs régulier au service du King Jerry Leiber et Mike Stoller.

L’une des premières versions de ce titres fut celle d’un jeune prodige du Rock’n’Roll Frankie Lymon accompagné des Teenagers. Cette reprise, qui fut publiée peu après celle d’origine, ne compte pas parmi les grandes réussites de l’adolescent (Mieux vaut réécouter « Why do fools fall in love? ») Mais il est vrai qu’il est difficile de passer après le King. Ceci dit, Frankie restera comme le pionnier des Mozart du Rock, anticipant Stevie Wonder ou encore Michael Jackson. Le malheureux Frankie connut d’ailleurs comme ce dernier une triste fin, mourant d’une dose mortelle de drogue en 1968, la même année qu’un autre ex-jeune prodige -du cinéma celui-là- Bobby Driscoll qui avait remporté un Oscar en 1948 pour son rôle dans « The window/ une incroyable histoire »

En 1967, année de L’été de l’amour et du psychédélisme triomphant, un certain Dean Carter, rejeton tardif du Rock’n’Roll (Il n’émergea qu’en 1962/63) s’attaqua à son tour au classique d’Elvis sur un ton contemporain. Que dire, sinon que cela relève de la curiosité discographique. A écouter ….éventuellement!

Gainsbourg, je t’aime moi non plus, le Reggae et les juges.

Mon récent article sur « Les papillons noirs » m’a donné envie de récidiver quant à l’histoire d’une chanson et, comme par hasard, il va encore être question d’un opus de Gainsbourg, et pas des moindres, puisqu’il s’agit de « Je t’aime moi non plus » Sorti ironiquement en 1969 (Année érotique, tout le monde le sait!) le disque vendit autant de copies qu’il fit couler de l’encre, fit danser autant qu’il suscita de naissances, provoqua autant d’indignation que d’incompréhension. En effet, ce morceau de variétés avant-gardiste qui appartient désormais à notre patrimoine national fut mal compris par beaucoup. Car beaucoup n’y virent qu’un refrain sexy et provocateur, là ou – ainsi que le titre le disait lui-même et clairement- il s’agissait surtout d’amour non partagé au-delà du sexe.

Mais le malentendu qui entoure « Je t’aime moi non plus » n’est qu’une partie de son histoire. Serge Gainsbourg la composa puis l’enregistra avec Brigitte Bardot ( A laquelle la chanson était dédiée) en 1967 mais décidé au dernier moment de ne pas la publier, ne voulant pas nuire à sa maîtresse alors mariée avec le célèbre playboy Gunther Sachs. La chanson aurait pu sombrer dans l’oubli mais le sort en décida autrement, sans doute à cause de Jane Birkin rencontrée par Gainsbourg peu après sa rupture avec Bardot. La jolie anglaise avoua plus tard avoir été troublée à l’écoute du titre, ce qui convainquit peut être l’auteur de rendre la chose publique.

Il en résulta le succès que l’on sait. Gainsbourg dans un de ses accès de mégalomanie qui le caractérisait tira un film de sa chanson, lequel ne trouva pas de réel public mais devint culte avec le temps. Jane Birkin en serveuse de restoroute androgyne, Joe Dalessandro en camionneur homo, Hugues Quester en camionneur homo, Michel Blanc en rescapé du Larzac (Gardarem lou Larzac!) et surtout Gérard. Je veux dire Gérard Depardieu en homme converti à la zoophilie avec son âne pour être trop bien équipé.

Cela se passait en 1976. L’année suivante un individu sujet de sa gracieuse majesté, un certain Alexnder Minto Hugues plus connu sous le nom de scène de « Judge Dread » s’empara indûment du désormais classique de Gainsbourg. Cet artiste à l’imposante carrure pionnier du Reggae au Royaume Uni et Dieu des skinheads reprit la mélodie jouée en instrumental pour y poser un dialogue mettant en scène le « Judge » dragué par une femme qui s’avère être un travesti (Avec bruitage de braguette en prime, les anglais ont décidément un goôt excellent!) Furieux d’avoir été ainsi abusé, le Judge s’en va laissant le malheureux travelo à ses larmes. Cette plaisanterie musicale amusa les insulaires. Gainsbourg beaucoup moins. Une fois que l’homme à la tête de chou eut vent de la pochade, il attaqua en justice le britannique.

Si l’on peut comprendre les raisons de notre compatriote, il faut reconnaître que le juge (J’arrête de l’écrire en anglais) avait probablement mieux saisi le sens de « Je t’aime moi non plus » que bien des auditeurs avant lui, sa version racontant après tout l’histoire d’une attirance non réciproque….

L’univers de mes livres.

Dans « Le charme secret de Vicky Lynn » il y a un cabaret nommé « Les papillons noirs » Comme rien n’arrive par hasard dans un roman, ce nom a été choisi sciemment, à la fois référence aux appellations souvent colorées des établissements de ce genre dans les années 50 mais aussi à une chanson de Serge Gainsbourg.  » Les papillons noirs », donc, composée en 1966 et interprétée en duo par l’auteur et la chanteuse Michèle Arnaud.

Si j’avoue ne pas savoir grand chose de Michèle Arnaud, j’en sais un peu plus sur l’histoire de cet envoûtant refrain consacré à la tristesse symbolisée par les papillons du titre. Ce titre tombé dans l’oubli connut un retour en grâce à la fin des années 70 en étant repris par le groupe Bijou, héraut de la nouvelle du Rock français d’alors sur son album « O.K Carole ». Ce témoignage d’affection incita Gainsbourg à accepter la proposition de ces jeunes musiciens de monter sur scène avec eux, chose que le beau Serge n’avait pas faite depuis longtemps. Il en conçut d’ailleurs par la suite l’envie de reprendre les tournées. Il composa de surcroît un titre à l’attention de Bijou « Betty Jane Rose » (En fait quelques notes et quelques mots griffonnés dont le guitariste Vincent Palmer tira la meilleur parti en peu de temps.)

A bientôt!

Le cinéma français

Aujourd’hui,: « Attention les yeux » de Gérard Pirès (1975)

Un metteur en scène ambitieux mais sans le sou et surtout sans appui accepte la proposition de deux producteurs véreux de réaliser un film pornographique. Les deux forbans lui présentent la chose comme un projet intellectuel et élégant inspiré par le livre d’un académicien catholique « Dialogue entre Mermoz, Einstein et le docteur Schweitzer » En fait, le « machin » est retitré « Il est minuit docteur Sexe » et l’Afrique ou l’histoire se passe supposément est figurée par des palmiers en plastique (Bertrand). Sans compter que les acteurs et l’équipe sont tous des bras cassés….

Après une longue série d’articles sur des films violents et graves, voici un peu de légèreté avec ce grand moment du cinéma français  » Attention les yeux ». Ferais-je de l’ironie? Pas vraiment. Certes, il s’agit d’une pochade fauchée qui tombe parfois dans les travers dont il se moque, les productions « Eurociné » ou « Comptoir français du film » qui livraient au poids des pelloches érotiques tendant parfois vers l’horreur, parfois le polar, parfois le western, parfois l’aventure. Comme c’est le cas du film tourné dans « Attention les yeux ». Que dire d’autre? Citer l’extraordinaire panel de comédiens qui servent le film et lui évitent sans doute de verser dans l’ennui qui le guettait en raison de son manque de moyens. Claude Brasseur, Clavier, Lhermitte et Michel Blanc en flics, Stéphane Collaro en figurant à béret se battant avec le culturiste noir Manu Pluton, Maurice Baquet en flic, Georges Descrières en patron de sex-shop, Robert Castel en pied noir (étonnant, non?) Catherine Lachens l’éternelle effarée des comédies françaises d’alors, Grace Jones en vedette américaine (Notez qu’à l’époque elle était bien américaine mais pas vedette.) Anémone, Daniel Auteuil, et j’en oublie bien sûr. Ah, mention spéciale à Guy Marchand en star de « Docteur Sexe », parfait gommeux prétentieux et désopilant!

Allez, hop, Chouchou, ventilateur!

« Tu vas hurler chienne, et au plus vite! »

« J’ai déjà horreur des oeufs, j’ai encore plus horreur de la confiture! »

« On va tourner un autre film, on a déjà un titre accrocheur: la châtreuse de charme »

« Mais Bob, qu’est-ce qui te fait bander?  » « Ben, ma femme! »

Le cinéma italien

Aujourd’hui: « Quelli che contano/Cry of a prostitute/ Love kills » de Andrea Bianchi (1974)

Un inconnu débarque dans un village sicilien dominé par deux clans mafieux en plein affrontement. L’homme s’en mêle pour des raisons pour le moins obscures et a recours dans son entreprise à l’aide de la maîtresse d’un des parrains.

« Quelli che contano » relève du Poliziotto, autrement dit du Polar italien sec et violent, le plus souvent urbain. Mais il y a des exceptions, comme le présent film qui se déroule à la campagne et permet certaines choses au réalisateur telle cette scène ou le héros (Le personnage principal, serait plus exact en fait.) arrive en carriole dûment cravaté. Et je ne parle pas du moment ou il se radine en bulldozer. Décidément, dans ce morceau pelliculé , Henry Siva aura essayé une grande variété d’engins. Trêve de plaisanterie, « Quelli che contano » de par ce caractère rural est en fait un western transposé dans un cadre et un temps différent. C’est assez symbolique considérant l’année de production (1974) période pendant laquelle le western italien achevait sa dégringolade. Ce qui prouve que certains thèmes traversent les époques et les pays. En l’espèce l’histoire de cet étranger qui semble venu de nulle part pour échouer dans ce coin paumé, elle a déjà été racontée mile fois et plus. Pour autant,, le film évite la banalité de par sa violence particulièrement crue, y compris au sein d’un cinéma brutal par nature. Il faut d’ailleurs préciser que cette dernière est moins gratuite qu’il n’y paraît., à l’image du personnage joué par l’excellent Henry Silva. Celui-ci avance au gré des fusillades et joyeusetés diverses de manière toujours réfléchie, sans tuer pour tuer mais pour atteindre un but précis. Lequel? Je ne le dévoilerais pas, afin de préserver le plaisir de votre (éventuelle) découverte.

Toutefois, et ce pour ne pas trop vous laisser sur votre faim, il est un exemple idéal illustrant la maîtrise de la violence que montre le héros (Et donc le metteur en scène). Il s’agit en l’occurrence du passage à tabac de Barbara Bouchet par Silva qui n’agit pas par sadisme mais pour la dissuader de le manipuler. C’est cruel, brutal, et ça ne passerait plus aujourd’hui. Mais cela répond à la logique propre à l’univers dépeint dans le récit. Il est d’ailleurs intéressant de voir que c’est le visage tuméfié de l’actrice qui servit à la publicité américaine du film, lequel sortit Outre-Atlantique sous le titre « Cry of a prostitute » Et c’est trompeur. Car si Barbara Bouchet (Une des reines du Bis transalpin des années 70)) n’est pas insignifiante, elle n’est pas au centre de l’intrigue. A ce propos, le titre original reflète davantage le fond de ce polar: « Quelli che contano », littéralement « Ceux qui comptent » ou « Ceux qui importent » Ils existent bien ici, en dépit du peu de prix accordé à la vie par ces mafieux et autres mécréants. Mais qui sont-ils? Regardez le film et vous le saurez!